HANS HARTUNG

(1904-1989)

T1951-5
1951

Footnotes

Cette œuvre est répertoriée dans les archives de la Fondation Hartung Bergman et sera incluse dans le Catalogue Raisonné de Hans Hartung, en cours de préparation par la Fondation Hartung Bergman, Antibes.

Provenance
Collection particulière, Amsterdam
Galerie Artcurial, Paris (n°84/363)
Collection particulière, Suisse (acquis auprès de celle-ci)
Offert au propriétaire actuel en 1985-86

Exposition
Paris, Galerie Ariel, Les années 50, août 1978

Bibliographie
Pierre Descargues, Hartung, Paris 1977, p. 170, n°134, illustré en noir et blanc
Pierre Daix, Hartung, Paris 1991, p. 195, n°255, illustré en noir et blanc



La beauté est un plaisir solitaire qui s'éprouve et se répand si loin, si profondément, en nous que les principes qui la régissent s'étiolent à mesure de sa contemplation. L'émotion pure, née d'un geste plus prompt que la pensée qui a fait éclore le tableau, préside dans l'Œuvre d'Hans Hartung, dont les chants lyriques furent nés dans le calme feutré d'une chambre estudiantine. S'abandonnant tôt à ce qu'il portait en lui, l'artiste nourrit son cœur de musique (Bach et Beethoven un peu plus tard) et de visites de musées (où il admire Goya, Rembrandt, Hals), qui le façonnèrent. Né d'émerveillements solitaires et d'affections miraculeuses, l'art entra ainsi en lui, ineffable et libre.
Dans un recommencement permanent, il n'est guère de peinture où se trouve plus affirmé le tempérament d'un artiste qui ne transige pas, son art capture tôt les fragments du réel, tout en délivrant la ligne de la figuration.
Ses œuvres des années 1920 portent en elles les prémices des signes, des rythmes, des courbes qui habiteront ses œuvres, faisant du peintre le précurseur et le pionnier de tous les courants informels, gestuels, tachistes, lyriques, qui verront le jour dans la seconde partie du XXe siècle. Ces œuvres précoces, qui n'avaient été montrées que de façon confidentielle en 1956 à la galerie Craven, furent publiées quelques années plus tard dans un ouvrage de Will Grohmann Hans Hartung Aquarelle 1922, qui deviendra la bible de toute une génération d'artistes. Inscrit à l'académie des Beaux-Arts de Dresde en 1925-1926, l'artiste découvre à l'occasion de l'exposition internationale, qui se tient de juin à septembre, ce qui est montré en France.
Entre 1927 et 1932, Hartung explore et dévore des voies plurielles (Van Gogh pour sa complicité avec la nature, la Section d'or pour l'harmonie, le cubisme pour le nettoyage de la vision), mais revient à ce qui lui est intime, une fois le parcours initiatique achevé.
Ses œuvres pulsionnelles, architecturées et limpides, où la couleur en la matière se meut, de nouveau s'emparent de ses toiles alors qu'il revient à Paris en 1934 où il se lie avec Hélion, Goetz, Miró, Calder, Mondrian. Trois années plus tard, l'artiste vend une œuvre au célèbre collectionneur américain Albert Eugène Gallatin, celle-ci rejoindra les collections du Museum of Living Art, le premier musée d'art moderne créé aux Etats-Unis.
L'abstraction, comme une indépendance, est, chez Hartung, une frénésie, un appel, une lueur. Du combat, elle en est l'assaut. Ce graphisme irréel, où se lit la main intuitive et frénétique qui l'a façonné, attire, dès 1947, le regard de Lydia Conti, qui le révèle au public. Les plus grands critiques, Charles Estienne, James Johnson Sweeney et tant d'autres, lui consacrent d'importantes monographies. En 1948, lors de la 24e édition de la Biennale de Venise, les œuvres d'Hartung apparaissent dans deux espaces : le pavillon français et dans la section consacrée à la collection de Peggy Guggenheim. L'artiste sera le lauréat du Grand Prix lors de la Biennale de Venise en 1960. Son succès jamais ne sera démenti.
Les plus recherchées parmi les collectionneurs, ses peintures des années 1950 portent à leur paroxysme son iconoclastie envers le métier séculaire de peintre ; l'irrévérence induit pourtant une ouverture vers un nouveau langage... Chromatique et gestuelle, cette toile de 1951 est une conquête éblouissante où le fond, comme une brume enchanteresse, est l'espace où se déploie le tableau. La clarté de cette composition, ses rythmes purs, sont une rupture dans le silence où vient sourdre l'harmonie, auguste et solennelle.


Beauty is a solitary pleasure; it is experienced then seeps within us and spreads so far and so deeply that its elemental nature pales as we contemplate it. Pure emotion embodied by a gesture swifter than the thought that spawned the painting, rules Hans Hartung's Oeuvre, whose lyrical songs resonated in the hushed calm of a student's room. Surrendering early to his inner desires, the artist nourished his heart with music (Bach and Beethoven a little later) and visits to museums (where he admired Goya, Rembrandt and Hals), which shaped him. Through his solitary wonderments and miraculous affections he was exposed to art, ineffable and free.
In a constant renewal, there are few bodies of work in which the temperament of an uncompromising artist is more assertive: early on his art captured fragments of reality, while releasing the line from figuration.
His works from the 1920s mark the stirrings of the signs, rhythms and curves that would later inhabit his work, confirming the painter as precursor and pioneer for all the informal, gestural, tachist and lyrical currents that would emerge in the second half of the twentieth century. These early works, which had only been shown confidentially in 1956 at the Craven gallery, were published a few years later in a book by Will Grohmann Hans Hartung Aquarelle 1922, which became a reference for a whole generation of artists. Hartung enrolled at the Dresden Academy of Fine Arts in 1925-1926, and there discovered what was exhibited in France at the international exhibition held from June to September.
Between 1927 and 1932, Hartung explored with gusto a variety of paths —Van Gogh for his complicity with nature, the Section d'or group for harmony, Cubism for the cleansing of vision—, but once his initiatory journey was complete he returned to his own nature.
Back in Paris in 1934, he met Hélion, Goetz, Miró, Calder and Mondrian, his impulsive, architectural and lucid works, in which colour morphs into matter, once again took over his canvas. Three years later, the artist sold a painting to the famous American collector Albert Eugène Gallatin; it joined the collections of the Museum of Living Art, the first museum of modern art created in the United States.
Abstraction, like independence, is exalting for Hartung, it is a beckon, a hope. In combat it is the charge. His unreal graphic style, revealing the intuitive and frenetic hand that shaped it, attracted, in 1947, the attention of Lydia Conti, who exhibited it to the public. Leading critics such as Charles Estienne and James Johnson Sweeney devoted major monographs to his work. In 1948, at the 24th Venice Biennale, Hartung's works were shown in two venues: the French pavilion and the section devoted to Peggy Guggenheim's collection. Hartung was awarded the Grand Prix at the 1960 Venice Biennale. His success would never falter.
Most sought-after among collectors are his works from the 1950s at a time when was at its apex his iconoclasm towards the age-old craft of painting. However, should irreverence not lead to an opening towards a new language...? Chromatic and gestural, this painting dated 1951, is a spectacular new territory in which the background, evoking an enchanting mist, is the space in which the painting unfolds. The clarity of this composition, its pure rhythms, are a break in the silence in which, august and solemn, harmony emerges.