JEAN-PIERRE RAYNAUD

(born 1939)

Mur 815
1968

Footnotes

Provenance
Galerie Mathias Fels, Paris
Collection particulière, France (acquis auprès de celle-ci)
Puis par descendance au propriétaire actuel

Expositions
Paris, Musée des Arts Décoratifs, Peintres Européens d'Aujourd'hui, 1968, n.p., n° 78, illustré en noir et blanc
Lausanne, Musée Cantonal, IIIe Salon International des Galeries Pilotes, 1970

Littérature
Denyse Durand-Ruel, Jean Pierre Raynaud. Catalogue Raisonné 1962–1973, Tome 1, Paris 1998, p. 112, n° 200, illustré en noir et blanc



Jean-Pierre Raynaud est un véritable visionnaire, dont la trajectoire artistique, bien qu'alignée sur le Pop Art européen, est demeurée absolument unique et profondément liée au readymade de Duchamp, aux monuments modernistes de Brancusi et au Nouveau réalisme. Deux œuvres cruciales et de qualité muséale sont aujourd'hui proposées à la vente, qui sont représentatives de l'avant-garde française des années 1960 : l'une de ses pièces les plus célèbres et reconnaissables, le Grand Demi-Pot, de 1969 – une œuvre qui constitue indubitablement le couronnement artistique de sa série des Psycho Objets (1964-1968) – et Mur 815, l'un des premiers « murs » créés par Raynaud en 1968, témoin de son récent intérêt pour l'architecture et sa fonction en tant qu'art. Cette idée a cheminé dans son esprit au point de devenir un projet qui a occupé une longue période de sa vie : sa maison à La Celle Saint-Cloud, qu'il a minutieusement habillée de carreaux blancs pendant 25 ans, avant de la démolir finalement et de la reconstituer comme une œuvre d'art en 1993.
Raynaud a fait des études d'horticulture et a exercé le métier de jardinier. Toutefois, c'est en 1962 qu'il a fait le « saut » conceptuel qui allait ensuite définir la suite de toute sa carrière artistique, en remplissant l'espace vide d'un pot de jardin afin de créer ce qui lui est apparu comme une forme sculpturale parfaite. Raynaud a trouvé dans le pot un totem capable de soutenir une multitude d'idées ; depuis le pot, conçu comme un vaisseau qui donne et abrite la vie, jusqu'à la forme inversée qui rappelle les angles aigus du Cubisme ou la grandeur des structures mayas antiques. Pot Rouge, qui mesure près de deux mètres de haut, frappe par son immensité et son audace. Son échelle, sa simplicité et sa perfection produisent un effet de dépaysement, accentué par le fait qu'il est coupé en deux et semble surgir tout naturellement du mur ou du sol.
Initialement créé comme un pot entier par l'artiste, avant d'être coupé en deux pour les besoins de l'exposition de Raynaud à l'Hôtel George V, qui avait commandé des œuvres à Raynaud en 1969, Grand Demi-Pot était la pièce centrale de la présentation, où il trônait à l'horizontale dans la cour de cet hôtel parisien. C'était une installation spectaculaire, qui présentait non sans humour un pot de jardin surdimensionné dans un jardin ornemental, était monumentale et frappante, et évoquait une profonde sobriété pour Raynaud. Commentant son inspiration pour les œuvres présentées, l'artiste déclarait : « Le George V ressemble à un cimetière. À l'intérieur on y rencontre des vieilles femmes prêtes à mourir, qui se traînent dans les couloirs. Je me suis dit qu'il fallait continuer dans cette voie » (Marc Sanchez, 'Jean Pierre Raynaud; Chronologie 1939 – 1998', en ligne). L'œuvre présentée aujourd'hui reflète un sentiment de vulnérabilité et un sens profond de la condition mortelle de l'homme, le pot comme présage du cycle de la vie et de la mort. Scellé et rempli, coupé en deux, l'autre moitié étant mise au rebut puis partiellement enterrée dans le sol, Pot Rouge est devenu un objet de contemplation, doué d'une forte charge émotionnelle et empreint d'une beauté silencieuse.
Mur 815 reprend les codes iconiques de l'œuvre de Raynaud. Dans cette œuvre réalisée dans le rouge iconique qui caractérise sa production au cours de cette période, l'artiste a associé au mur une échelle trouvée et des balances dont il a marqué chacune de ses œuvres consacrées au « mur ». Fragment de la réalité, comme tombé d'un immeuble, Mur 815 révèle les différences profondes et saisissantes entre le Pop Art américain et européen des années 1960. Chez Raynaud, le caractère ordinaire et banal de l'objet n'est que le point de départ de l'œuvre d'art, alors qu'il est pour Warhol l'essence même de sa démarche artistique. L'œuvre ici présentée s'inscrit parfaitement dans la lignée des autres « murs » de Raynaud. La comparaison avec ces autres œuvres révèle non seulement la continuité dans laquelle s'inscrit l'œuvre ici présentée, mais également la signification non dite de celle-ci.
Raynaud a représenté la France à la Biennale de Venise en 1993, en plus d'être collectionné par des institutions majeures, parmi lesquelles le MoMA, New York, le Musée National d'Art Moderne, Paris et le Musée Hara, Tokyo. Autant dire que la postérité d'Erró, en tant qu'artiste majeur du Pop Art européen des 60 dernières années, est assurée. Les deux œuvres monumentales et sereines ici présentées sont deux pièces muséales, représentatives de la période de création la plus complexe et audacieuse de l'artiste, qui représentent des icônes de l'art français des années 1960.


Jean-Pierre Raynaud is a true visionary, charting a career arc that, whilst aligned with European Pop Art, remained utterly unique and deeply connected to the Duchampian readymade, Brancusi's modernist monuments, and Nouveau réalisme. Presented here for sale are two seminal, museum quality works that embody the French avant-garde of the 1960s: one of his most celebrated and recognisable pieces, Grand Demi-Pot, from 1969 – a work that is undoubtedly the crowning artistic achievement of his Psycho Objets series (1964-1968) – and Mur 815, one of the first 'walls' that Raynaud made in 1968 that established his newfound interest in architecture and its function as art. This would be an idea that would grow into a lifelong project for Raynaud: his house in La Celle Saint-Cloud that he would fastidiously clad in white tiles for 25 years, before its ultimate destruction and reconstitution as an artwork in 1993.
Raynaud himself studied horticulture and was a practicing gardener. However, it was in 1962 that he made the conceptual leap that would largely define his artistic career subsequently, filling the empty internal space of a garden pot to create what appeared to him a perfect sculptural form. In the pot, Raynaud found a totem that was able to sustain a matrix of ideas; from the pot as a vessel that gives and harbours life, to the inverted form that evinces the hard edges of Cubism or the grandeur of ancient Mayan structures. In Pot Rouge, standing at nearly two metres in height, there is an immensity and boldness to Raynaud's intent that is astounding to behold. Its scale, simplicity and perfection convey an otherworldliness, only heightened by its being cut in half and appearing to emerge seamlessly from the wall or floor.
Originally made as a complete pot by the artist, before being cut in two for Raynaud's exhibition at the Hotel George V, who had commissioned Raynaud in 1969, Grand Demi-Pot formed the centrepiece of the presentation, exhibited lying down in the courtyard of the Parisian hotel. It was a dramatic installation that, whilst not without its humour in presenting an oversize plant pot in an ornamental garden, was monumental, striking, and evoked a deep sobriety for Raynaud. Commenting on his inspiration for the works on view, the artist stated: "Le George V ressemble à un cimetière. À l'intérieur on y rencontre des vieilles femmes prêtes à mourir, qui se traînent dans les couloirs. Je me suis dit qu'il fallait continuer dans cette voie" (Marc Sanchez, 'Jean Pierre Raynaud; Chronologie 1939 – 1998', online). In the present work, there is a vulnerability and deep sense of mortality, the pot as a harbinger for the cycle of life and death. Sealed off and filled, cut in half and the remainder discarded, and then placed as if part-buried in the ground, Pot Rouge becomes a loaded, contemplative object of silent beauty.
In Mur 815, the icons of Raynaud's practice remain. Executed in the iconic red that would typify his works from this period, the artist has combined a found ladder with the wall and scales that he marked each of his 'wall' works with. A fragment of reality, as if cut from a building, Mur 815 reveals the stark and thrilling differences between American and European Pop Art of the 1960s. In Raynaud, the commonality of the object provides only the starting point for the artwork, where for Warhol it was the essence of his artistic endeavour. In Raynaud's 'walls', the ubiquity of the piece is automatically put under scrutiny. The measures imply a judgement and suffuse the present piece with an unvoiced meaning.
An artist who would go on to represent France at the Venice Biennale in 1993, in addition to being collected by major institutions including the MoMA, New York; the Musée National d'Art Moderne, Paris; and the Hara Museum, Tokyo, Raynaud's legacy as one of the key European Pop artists of the last 60 years is assured. Monumental and serene, presented here are two institutional pieces that demonstrate Raynaud at his most complex and confident, and stand as artistic icons of French art in the 1960s.

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